Quali "strumenti" utilizza un lighting designer? Proprietà controllabili dell'illuminazione scenica

In questo capitolo, elencheremo brevemente gli strumenti a disposizione di un progettista dell'illuminazione per creare il progetto di illuminazione di una performance. Nelle sezioni seguenti, torneremo su queste categorie più volte, poiché l'obiettivo di questo libro è identificare i modi più efficaci per applicarli. Non possiamo determinare quale categoria sia primaria o secondaria. A seconda di ogni produzione specifica e delle sue condizioni uniche, qualsiasi categoria può diventare critica per realizzare la tua visione. Pertanto, l'ordine elencato di seguito è arbitrario.

Nel suo libro, The Method of Stage Lighting, pubblicato nel 1932, McCandless ha identificato quattro principali proprietà della luce che un progettista dell'illuminazione controlla:

• intensità,
• colore,
• forma,
• movimento.

Accettando quanto affermato da Stanley McCandless, è necessario ampliare questo elenco, tenendo conto dei moderni progressi nella tecnologia teatrale e della comprensione evoluta delle estetiche teatrali contemporanee.

• Angolo
• Brillantezza
• Forma
• Colore
• Movimento
• Ritmo
• Composizione
• Messa a fuoco dell'attenzione

Forse questa è la domanda più frequente per un designer di illuminazione: "da dove dovrebbe essere diretta la fonte di luce per illuminare un determinato oggetto." La risposta dipende dalla moltitudine di idee che il designer intende realizzare per quell'oggetto. Quanto completamente dovrebbe essere illuminato questo oggetto e quanto "drammaticamente" dovrebbe apparire nella percezione dello spettatore. Spesso, questi due obiettivi devono lavorare insieme ma possono anche entrare in conflitto tra loro. La qualità "drammatica" delle ombre può essere ridotta da altre fonti che forniscono un'illuminazione "completa". La natura grafica delle ombre è anche un componente della composizione.

Ogni volta che determiniamo la posizione di una fonte di luce nello spazio, affrontiamo una serie di domande: la luce che illumina l'oggetto è astratta o motivata? Se motivata, allora da cosa — è la luce del sole, della luna, di una candela, di un'applique o di un cartellone pubblicitario. Se astratta, significa che nella percezione dello spettatore, questa luce non è associata a fonti di luce esistenti. Allo stesso tempo, dobbiamo riconoscere che l'angolo di illuminazione porta anche un impatto emotivo. Anche da bambini, un volto illuminato dal basso ci spaventava, evocando emozioni di paura.

In base alle direzioni principali, l'illuminazione può essere suddivisa in sei categorie di base:

• Illuminazione frontale – luce diretta dritta sull'oggetto al livello della linea degli occhi dello spettatore
• Controluce – luce diretta sull'oggetto da dietro
• Illuminazione laterale – luce diretta sull'oggetto di lato
• Illuminazione dall'alto – luce diretta sull'oggetto dall'alto
• Illuminazione dal basso – luce diretta sull'oggetto dal basso
• Illuminazione frontale dall'alto – luce diretta sull'oggetto dal fronte e dall'alto, entro 45 gradi dal piano scenico.

Senza dubbio, questa divisione è piuttosto formale, poiché nelle condizioni reali del palco, ci sono numerose posizioni possibili per installare le luci; tuttavia, qualsiasi angolo di illuminazione può essere considerato un derivato di quelli elencati sopra. (Ad esempio, controluce dall'alto, posizionato dietro / sopra.)

In termini di impatto emotivo, a seconda dell'angolo di illuminazione, si possono notare le seguenti caratteristiche:

• Illuminazione frontale, a causa dell'assenza di ombre, appare poco interessante e opaca. Tuttavia, in certe situazioni con una fonte potente, può creare un effetto emotivo specifico.
• Controluce, è descritto come misterioso e mistico.
• Illuminazione laterale, è di solito molto coinvolgente e significativa ma appare piuttosto astratta.
• Illuminazione dall'alto, è spesso percepita come mistica e misteriosa, come il controluce, e può servire come un forte elemento dominante. È frequentemente usato per "spingere la composizione scenica verso il pavimento."
• Illuminazione frontale dall'alto, quando posizionata entro 45–60 gradi, può apparire piuttosto coinvolgente e pulita. Questo è l'angolo ottimale quando si mira ad assicurare la migliore visibilità delle espressioni facciali degli attori.

Considerando questi aspetti, forse la cosa più importante è capire che OMBRA non è meno significativa della LUCE quando l'obiettivo è rivelare i contorni o la forma di un oggetto. L'interplay e l'equilibrio di luce e ombra forniscono l'opportunità di ottenere un senso di volume spaziale emotivamente significativo e prospettiva.

Quando si illumina un oggetto per raggiungere lo scopo prefissato, si utilizzano sempre più sorgenti luminose, combinando vari angoli di illuminazione. Mantenendo un rapporto specifico (bilanciamento) di luminosità tra diverse sorgenti direzionate, si enfatizza quella che è fondamentale (primaria) per te, riducendo la luminosità delle altre, che servono come riempimento, in una certa proporzione. Si intende che gli effetti degli angoli di illuminazione primari, quando combinati con altri, differiranno dai loro effetti quando usati da soli.

Non c'è niente di peggio che usare troppe sorgenti con diversi angoli di illuminazione per illuminare un oggetto — otterrai luminosità, e l'oggetto sarà molto visibile, ma risulterà noioso e poco coinvolgente; rovinerai l'immagine. Per questo, segui la regola: "Necessario e sufficiente." Il minimalismo in questa materia è essenziale — "troppo non è più efficace."

Combinare gli angoli di illuminazione ci permette di mescolare le sensazioni portate da diversi metodi di illuminazione.

Controluce, come abbiamo già notato, è descritto come "misterioso e mistico," e quando usato isolatamente, evidenzia eccellentemente la forma e i contorni di un oggetto. Tuttavia, nel suo stato isolato, può essere utilizzato solo una o due volte in una performance. Quando combinato con altre sorgenti luminose, può trasformare la scena in uno stato completamente diverso. Ad esempio, in combinazione con illuminazione laterale di alta qualità e una piccola quantità di illuminazione frontale, può isolare l'oggetto dalla scena esistente e, nella percezione dello spettatore, avvicinare l'oggetto al pubblico.

• La direzione da cui viene illuminato l'oggetto determina come lo spettatore lo vedrà e come apparirà l'oggetto.
  • L'illuminazione, a seconda dell'angolo, può essere percepita (compresa) dallo spettatore come PIATTA o VOLUMETRICA, REALISTICA o MISTICA o STRANA, come VERA o FALSA.*
• Il modo in cui lo spettatore valuta la qualità dell'illuminazione sul palco è direttamente legato a ciò che osserva in natura e nel mondo circostante.
• Una singola sorgente luminosa potente può essere altamente efficace grazie alla sua semplicità.

Il predominio di una potente sorgente direzionale in un'immagine creata da molte altre sorgenti è spesso indicato come la "sorgente chiave". L'uso della luce "chiave" può anche essere eccezionalmente espressivo.

Analizzando come una sorgente luminosa "funziona" nel design dell'illuminazione, a seconda dell'angolo di illuminazione dell'oggetto, le conclusioni generali sono le seguenti:

• La luce rivela ed enfatizza la forma
• Illuminazione uniforme, ugualmente brillante che assicura visibilità è solitamente noiosa e poco coinvolgente.
• L'ombra enfatizza sempre la luce.
• Un gran numero di sorgenti porta sempre a una perdita di definizione.
• Una sorgente "chiave" dominante è sempre espressivamente efficace.

La luminosità è la quantità di energia luminosa riflessa dal palco. Il designer dell'illuminazione manipola l'intensità selezionando i tipi, la potenza e il numero di apparecchi di illuminazione utilizzati, e regola l'illuminazione alterando la tensione di alimentazione a ciascun apparecchio. La luminosità della luce è una variabile che può variare notevolmente, dallo sfarfallio tenue al limite massimo che l'occhio può tollerare. Nel teatro, la luminosità dipende dal numero e dalle dimensioni degli apparecchi, così come dall'uso di banchi di dimmer, filtri, otturatori, gobos e strumenti simili. Diversi fattori devono essere considerati quando si comprende la categoria della luminosità.

L'illuminazione può essere misurata utilizzando vari metodi scientifici, che in condizioni teatrali possono essere di interesse puramente accademico. Il lighting designer è molto più interessato all'impressione soggettiva che la luminosità crea per il pubblico: cioè, non a ciò che è la luce, ma a ciò che sembra essere. Una singola candela su un palco buio sembrerà piuttosto luminosa, mentre chilowatt di apparecchiature in un ambiente ben illuminato appariranno piuttosto fioche. Il contrasto è la misura principale della luminosità. Il colore e la texture delle scenografie, dei costumi, degli oggetti di scena e del trucco sui visi degli attori influenzano significativamente la luminosità percepita. Lo stesso livello di luminosità produrrà effetti diversi in ambientazioni nere o bianche.

Quando la luminosità cambia, l’occhio dell’osservatore si adatta. L’occhio possiede un'abilità biologica vitale per adattarsi a diverse condizioni operative. Grazie a questa proprietà, il sistema visivo funziona in un ampio intervallo di livelli di luminosità: 10⁻⁶–10⁵ cd/m². Quando il livello di luminosità nel campo visivo cambia, si attivano una serie di meccanismi automatici per ricalibrare la visione. L’adattamento deve essere considerato come il processo nel tempo di percezione del passaggio da un livello di luminosità a un altro. Una scena luminosa sembrerà molto più luminosa se segue una oscura. Tuttavia, dopo che l’occhio si adatta, sembrerà "attenuarsi". Pertanto, per mantenere la sensazione di luminosità, potrebbe essere necessario aumentare gradualmente la luminosità in tutta la scena per contrastare questo effetto di "attenuazione". Al contrario, se la scena che precede una oscura si oscura gradualmente, la transizione dello spettatore verso l’“oscurità” sarà più fluida, migliorando la percezione degli eventi nella scena buia.

La fisiologia del corpo umano è piuttosto persistente. Proprio come i muscoli si stancano per uno sforzo intenso, anche il sistema di percezione visiva si affatica per l'eccessivo sforzo. Come risultato della fatica, le soglie di sensibilità sia per il colore sia per la luminosità diminuiscono, riducendo l'efficienza del sistema visivo. Una luce eccessivamente intensa e accecante, un'illuminazione prolungata molto bassa o numerosi bruschi cambiamenti di luce possono tutti causare affaticamento visivo.

Molti fattori psicologici influenzano come gli spettatori percepiscono la luminosità, tra cui il livello di adattamento, il contrasto di luminosità, la luminosità della luce stessa, la luminosità e altro. Manipolando la luminosità, miriamo a fornire un livello di illuminazione che consenta una facile distinzione di colore, riflettività, contrasto, dimensione di un oggetto e la sua distanza dall'osservatore. Nel creare una scena, disponendo i rapporti di luminosità percepita delle diverse zone dello spazio scenico in un modo specifico, stabiliamo una gerarchia di oggetti nella percezione dell'osservatore. Controlliamo anche la sequenza con cui l'osservatore interpreta (elabora) la nostra composizione, sapendo che l'osservatore nota sempre per primo l'oggetto più illuminato, poi quello meno illuminato, e così via fino al più scuro

Quando affrontiamo tutte queste sfide affascinanti, è essenziale ricordare che, soprattutto, dobbiamo rispettare il pubblico seduto sia nelle file posteriori che in quelle anteriori del teatro. Più lontano è lo spettatore, più luce deve essere presente sul palco. Ricorda sempre e tieni conto della "legge dell'inverso del quadrato." – L'illuminazione è inversamente proporzionale al quadrato della distanza. Uno spettatore seduto a doppia distanza vedrà quattro volte meno chiaramente

La tensione e l'umore associati alla luminosità sono determinati da quanto si sente a proprio agio lo spettatore nella situazione data. La luce intensa migliora l'acuità visiva, rendendo gli spettatori più reattivi. La regola tradizionale "luce intensa per la commedia" illustra perfettamente questo.

Abbiamo già affrontato brevemente le questioni relative al rivelare la forma degli oggetti sul palco quando si discutono vari angoli di illuminazione. Il principio di illuminare un oggetto è direttamente legato alla forma che lo spettatore percepisce. Qui, affronteremo un aspetto leggermente diverso della forma. Un artista che si prepara a creare un dipinto tende la tela su un telaio. Le dimensioni e le proporzioni della tela sono importanti per lui quanto il contenuto stesso del futuro dipinto. La forma della tela porta già un messaggio informativo ed emotivo specifico. Allo stesso modo, per il designer di illuminazione, in relazione ai confini dello spazio architettonico, è necessario decidere quale volume di spazio dovrebbe essere utilizzato in ogni momento particolare della performance. Anche se lo scenografo definisce rigidamente lo spazio di gioco, il designer di illuminazione può sempre illuminarlo completamente o solo una porzione specifica di quello spazio.

È una regola ben nota che più la luce è concentrata su un unico attore, più esso si distingue e più lo spettatore si concentra sulle sfumature della sua performance psicologica. Quando aumentiamo le dimensioni del campo visivo, gli spettatori, si può assumere, ampliano la loro attenzione per includere l'influenza dell'ambiente circostante — sociale, simbolico, o anche cosmico. Tracciando parallelismi con la pittura, per esempio, un attore illuminato in modo stretto è come un ritratto. Grandi aree illuminate assomigliano a un paesaggio o scena di genere. Il dramma tipicamente implica un conflitto tra l'individuo e il loro ambiente. I conflitti personali sono di solito interni. Lo stesso principio si applica alla luce: più ampio è lo spazio, più ampio è il range di questioni affrontate. In un particolare stile di performance, la dimensione dello spazio illuminato può variare a seconda della natura mutevole dei conflitti durante il gioco.

Colore

In La teoria dei colori, J.W. Goethe scrisse: "il colore è un prodotto della luce che suscita emozioni." Quando diciamo: "annerito dal dolore; arrossito dalla rabbia, diventato verde dall'invidia, diventato grigio dalla paura," non prendiamo queste espressioni alla lettera, ma associamo intuitivamente le esperienze emotive di una persona con un mezzo per esprimerle attraverso il colore. Qualsiasi colore all'interno dello spettro visibile è, in linea di principio, disponibile per il designer di illuminazione. Il colore sul palco è il risultato della miscelazione della luce colorata con il colore di un oggetto. Gli oggetti sono visibili solo perché riflettono la luce all'occhio. Toni sottili di luce colorata possono mettere in risalto i volti degli attori o stabilire il tono di colore complessivo di una scena. Il colore naturale o stilizzato viene utilizzato per enfatizzare, alterare, o ottenere il tono di colore desiderato di costumi e scenografie. Fondamentalmente, tutta la luce è già colorata. Anche la più potente fonte di luce — il sole — la percepiamo solo condizionatamente come "bianca," ma quando scomposta, rivela l'intero spettro dei colori.

È da tempo che si osserva l'effetto del colore su una persona: il colore influenza tutti i loro sistemi fisiologici, attivando o sopprimendo le loro funzioni; il colore crea stati d'animo specifici e instilla certi pensieri e sentimenti. L'impatto del colore può essere categorizzato come fisiologico, psicologico ed estetico; a questi, dobbiamo anche aggiungere le associazioni di colore, la semantica e il simbolismo del colore.

Colori vivaci, saturi o scuri intensi possono essere altamente drammatici; sono tipicamente usati per significare o trasmettere al pubblico un significato legato al significato associativo o simbolico del colore. Per esempio, il rosso potrebbe essere interpretato come "passione" o "sangue," il blu come "sereno" o "romantico," il verde come "invidia," e così via. In ogni caso, il significato dei colori saturi è altamente significativo.

I colori chiari, pastello, non sono meno efficaci ma sono meno imponenti. I colori nei toni chiari sono più spesso usati, per esempio, per rappresentare l'ambientazione naturale in cui si svolge l'azione scenica, come imitare la luce di una valle soleggiata o di una notte di luna. Inoltre, certi colori sono impiegati per migliorare il colore e la texture della pelle del viso, dei costumi o delle scenografie. Tali illuminazioni leggermente tinte sono generalmente categorizzate come "illuminazioni fredde" o "illuminazioni calde."

Quando si osserva l'illuminazione di un oggetto in natura, il suo volume è sempre rivelato dall'equilibrio tra luce calda e fredda. Vediamo un lato illuminato, ad esempio, dalla luce calda del sole, mentre l'altro lato è sempre illuminato dalla luce fredda riflessa dal cielo. Questo crea uno straordinario gioco di luci e ombre; in natura, l'ombra è sempre fredda. È importante capire che, come la luminosità, il calore o la freddezza di un colore è sempre relativo al colore adiacente utilizzato. In combinazioni diverse, lo stesso colore può apparire sia caldo che freddo. In genere, in una scena ben realizzata ed equilibrata, un raggio "pulito" e non filtrato risulterà privo di vita e brusco.

Selezionando colori e componendo la tua tavolozza di tonalità "calde" e "fredde", crei la tavolozza con cui la tua scena — la performance — verrà dipinta. Non trascurare i principi dell'armonia; la combinazione dei colori è il linguaggio con cui comunichiamo con lo spettatore. È necessario ricordare:

• Tutta la luce ha colore
• Il colore è uno strumento potente per creare atmosfera e umore
• Il colore è utilizzato per indicare il luogo dell'azione, l'ora del giorno e la stagione
• I colori chiari possono anche creare atmosfera e umore, ma lo fanno in modo più delicato
• Un colore saturo può facilmente sopraffare o sovrasaturare l'immagine scenica e deve quindi essere utilizzato con molta attenzione
• I colori portano significato simbolico e semantico e possono essere utilizzati come un dispositivo di segnalazione

Un raggio solitario di un riflettore che si muove nello spazio del palcoscenico è, di per sé, uno strumento espressivo sufficientemente potente. Ricordate tutti vividamente il famoso numero del rinomato clown Oleg Popov, che si esibiva nell'arena con un raggio di riflettore come se fosse un partner. Il grande Gordon Craig, nel suo Amleto, usò il movimento di un raggio per rappresentare l'apparizione dell'ombra del padre di Amleto. Non ci stiamo riferendo qui al compito rutinario dei riflettori che illuminano solisti e prime donne. I raggi di luce dei riflettori mobili visibili possono alterare la scenografia, la prospettiva, il volume, e trasformare lo spazio del palcoscenico. Un'area illuminata in movimento è anche uno strumento potente emozionale e scenografico.

In passato, questo è sempre stato una sfida tecnica piuttosto complessa per il teatro. Senza riflettori dinamici e controllabili, poteva essere realizzato solo con un numero considerevole di sorgenti luminose dirette in modi specifici. Regolando delicatamente i livelli d'intensità, sfumando alcune fonti e introducendone altre, era possibile creare un senso di movimento dell'area illuminata dalle luci di ribalta verso la profondità, e così via.

L'avvento degli apparecchi automatizzati dinamici, sempre più in transizione dalle produzioni degli spettacoli al teatro, ora consente la realizzazione abbastanza semplice di concetti di illuminazione dinamicamente espressivi. Il movimento è un fattore di tempo, e la velocità del movimento e i cambiamenti nella configurazione dello spazio illuminato sono principalmente dettati dalla dinamica e dal ritmo dell'azione scenica. Allo stesso tempo, questo movimento può anche stabilire la dinamica di quella stessa azione.

Un fattore direttamente legato al tempo e determinato dalla struttura ritmica dell'azione scenica. Il tempo-ritmo dei cambiamenti delle indicazioni luminose modella il dinamismo di come viene percepita l'azione scenica. La struttura ritmica dei cambiamenti delle indicazioni luminose è direttamente costruita sulla base del concetto di produzione dello spettacolo, radicato nel materiale drammatico o musicale originale (partitura).

L'evoluzione dinamica della percezione emotiva della struttura dell'opera scenica riguarda non solo gli atti, ma anche ogni singolo momento dell'azione. Una tecnica popolare negli anni '60 e '70 per accentuare il dramma — attivare una "luce stroboscopica" o la transizione fluida e di più minuti dell'"alba sul fiume Moscova" nell'opera Khovanshchina di Mussorgsky — esemplifica la determinazione del ritmo dell'azione scenica.

La frequenza e il contrasto dei cambiamenti delle scene luminose sul palco, anche in mezzo alla staticità di altri elementi dello spettacolo, stabiliscono la ritmicità della percezione dello spettacolo.

L'illuminazione teatrale è "artistica" principalmente perché richiede la creazione di un'immagine dinamica unificata e coesa all'interno della performance, una che emerge ed è intricatamente collegata alla struttura del complesso fenomeno della performance. Tutte le capacità espressive del design dell'illuminazione — nel creare pattern, forma e prospettiva — sono subordinate all'idea e allo scopo della performance. La conoscenza dei principi compositivi è essenziale per il lighting designer così come lo è per qualsiasi artista il cui lavoro è orientato alla percezione visiva.

Senza dubbio, il design dell'illuminazione di uno spettacolo dipende direttamente da molti elementi della soluzione di produzione generale, sui quali il lighting designer potrebbe non avere controllo. Il regista, gli attori e lo scenografo, insieme al costumista, possono collaborare e adattare gli elementi per supportare le condizioni compositive. Anche un fotografo può modificare l'angolazione di ripresa per perfezionare la composizione. Il lighting designer, in questo senso, non può neanche modificare il punto di vista del pubblico. Lo scenografo e il regista possono concordare una posizione compositivamente vantaggiosa per un attore, ma se l'azione richiede che l'attore si sposti in un altro punto del palco, la composizione viene interrotta.

Tutti gli elementi della composizione visiva sono interconnessi e influenzano l'immagine complessiva. Nessun elemento compositivo può "funzionare" senza illuminazione, e solo la luce può portare tutti gli elementi in armonia finale. Il teatro è prevalentemente orientato alla percezione visiva, e il lighting designer è l'arbitro finale di cosa e come lo spettatore vede. L'unico strumento a disposizione del lighting designer è la luce. La composizione può essere controllata solo intensificando l'illuminazione di alcune parti visibili o gettandone altre nell'oscurità, espandendo o contraendo il campo visivo. Questa è una responsabilità significativa, che offre l'opportunità di migliorare la percezione o, al contrario, di minare la percezione di una composizione creata da altri.

Con questa comprensione, quando si lavora sulla composizione del design dell'illuminazione, il lighting designer deve considerare che i membri del pubblico vedono il palco da varie posizioni, e una composizione perfettamente equilibrata per uno spettatore in settima fila potrebbe non essere altrettanto suggestiva o impeccabile per uno spettatore "in piccionaia."

Formalmente, questa categoria potrebbe non aver giustificato una propria sezione. Sappiamo che le zone e gli oggetti più evidenziati e luminosi sono i più attraenti per l'osservatore. Questo è ciò che l'osservatore guarda per primo. Tipicamente, formano il centro della composizione. Per la pittura da cavalletto, questo è indiscutibile. Nel teatro, tuttavia, a causa del dinamismo degli eventi — dove l'intera composizione può spostarsi con il minimo movimento di un attore — e della gamma relativamente ampia di posizioni dei posti a sedere del pubblico, ciò significa che la composizione costruita sarà interpretata diversamente da uno spettatore in ottava fila rispetto a uno nel balcone. È necessario, utilizzando le proprietà della luce e del colore, prevedere e pianificare come lo spettatore osserverà (interpreterà visivamente) l'azione scenica.

La luce è uno degli elementi fondamentali di quasi tutte le composizioni "visive". E, ovviamente, tra tutte le forme visive, la luce è lo strumento più intangibile. In qualsiasi spettacolo teatrale, la luce è un elemento più astratto di qualsiasi oggetto volumetrico collocato sul palco, che tende ad attirare un interesse visivo significativamente maggiore.

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