L'interconnessione tra la luce e qualsiasi altro oggetto materiale è abbastanza ovvia, nel senso che, che lo comprendiamo o meno, il modo in cui la luce li "influenza" determina come questi oggetti vengono visti. La connessione tra luce e suono non è altrettanto predeterminata ma non per questo meno, e a volte più, influente nella definizione del concetto di partitura luminosa.
Un esempio di ciò è l'enorme popolarità delle esibizioni di musica-luce in diversi periodi della storia, da A.Y. Scriabin al musicista francese popolare Didier Marouani in Russia: questi sono tentativi di dimostrare creativamente la sintesi di luce e musica.
Non discuteremo i lavori di scienziati e musicisti i cui lavori sono dedicati a trovare regolarità tecniche per tradurre la musica in composizioni di luce e colore.
In diversi periodi della storia, sono stati proposti vari concetti esotici, comprese le ultime sviluppi dal professor V.V. Afanasyev di San Pietroburgo sulla traduzione "matematica" della musica in luce, ma l'evidente soggettività della traduzione della musica in luce e colore è poco probabile che ci dia una chiave univoca.
È noto che persino compositori come A.Y. Scriabin e N.A. Rimsky-Korsakov "vedevano" i colori nella musica in modo diverso.
Non solo la musica, che indubbiamente influenza la partitura luminosa di un'opera, musical, balletto o concerto rock, ma anche altri suoni (effetti sonori) possono influenzare in modo decisivo la partitura luminosa di una performance e richiedere cambiamenti corrispondenti nell'illuminazione.
Il suono di una porta che sbatte, del vetro che si rompe, del rumore di un treno o dell'inizio della pioggia non richiede meno un cambiamento nell'illuminazione, proprio come un cambiamento di tema in un brano musicale.
Il pubblico presuppone sempre una stretta connessione tra il suono e i cambiamenti di luce, anche se questa connessione non è ovvia. Puoi facilmente verificarlo creando una sorta di spettacolo "musica-luce".
Crea una sequenza di posizioni di illuminazione nello spazio del palco, variano diverse proprietà: cambiando colore, angolo di illuminazione, luminosità, contrasto, velocità e ritmo dei cambiamenti di posizione. Quindi registra semplicemente la tua sequenza su un computer in modalità di riproduzione automatica in modo che il tuo "spettacolo" possa essere ripetuto identicamente diverse volte.
Una volta fatto questo, prova a riprodurre la tua sequenza mentre esegui diversi estratti musicali con diversi tempi e stati d'animo.
Di conseguenza, noterai che in tutti i tuoi estratti musicali, quando i cambiamenti di luce e suono coincidono, sorge indubbiamente una interessante risonanza, ma anche quando il carattere dell'illuminazione "rompe" l'umore o la struttura della musica, la risultante "dissonanza" rende la musica più interessante non meno.
In alcuni casi, tale disarmonia della "lotta" tra luce e suono può fornire un buon effetto drammatico teso che può essere utilizzato in qualche momento speciale dell'azione.
Ma in generale, il lighting designer punta sempre a un "parallelismo" coordinato di luce e suono—sottolineando specificamente la struttura e gli stati d'animo della partitura musicale; alcuni cambiamenti nella musica diventano una base motivata per i cambiamenti nell'illuminazione. Cambiamenti "accidentali", non motivati nell'illuminazione sono accettabili solo in casi speciali quando il compito è attirare l'attenzione del pubblico in un modo particolare.
Di solito, nelle performance, luce e suono lavorano insieme e, insieme ad altri componenti della performance, formano la reazione corrispondente (stato d'animo) del pubblico.
Nella maggior parte dei casi, la musica utilizzata nella performance, essendo la base, imposta essa stessa lo stile della performance, apportando una certa "drammaturgia" in essa. I cambiamenti all'interno della musica spingono per cambiamenti in altri componenti della performance corrispondenti alla composizione musicale.
Parlando di balletto, ad esempio, è proprio la musica che, più di ogni altra cosa, motiva i movimenti, la coreografia, e quindi è la principale motivazione anche per l'illuminazione.
Nelle performance drammatiche, opere o musical che sono elaborati in modo abbastanza realistico, un'aria o una canzone di solito si distacca stilisticamente; i cambiamenti di illuminazione in questo momento sottolineano giustamente i principali cambiamenti d'umore nella musica.
In effetti, nella maggior parte dei casi, è un bisogno organico per i musical e le performance drammatiche evidenziare le canzoni dal flusso dell'azione principale; un esempio sono le "canzoni" nelle opere di Bertolt Brecht. Per mettere in evidenza, concentrando l'attenzione del pubblico sulla performance della canzone, a volte non è sufficiente senza un "accompagnamento" speciale di luce. Può essere difficile per il performer "vendere" la canzone al pubblico.
L'illuminazione dinamica complessa dei concerti rock si è evoluta verso la complessità proprio perché i musicisti si rendono conto di quanto l'illuminazione possa suscitare emozioni e migliorare l'impatto della musica. Non è un segreto che l'uso abilissimo e intenso degli effetti di luce possa aiutare a "vendere" una canzone mediocre come una buona.
Per i musicisti rock, è anche una questione di orgoglio competitivo—quante container di attrezzature di illuminazione vengono utilizzate nello spettacolo.
Di solito, l'illuminazione cerca di enfatizzare, potenziare gli stati d'animo nella musica, cercando di trovare una qualche illuminazione stimolante che provochi la stessa reazione dal pubblico come inteso nella musica stessa.
Un gran numero di canzoni in una performance musicale sono disposte non a caso. Lo sviluppo regolare (o pianificato) della tensione emotiva da numero a numero è molto importante, così che le stesse richieste sono poste per l'illuminazione—lo stesso schema costruttivo, corrispondenza di colore, luminosità, dinamica.
Spesso, il lighting designer pianifica i cambiamenti dell'illuminazione tra le stanze di una canzone, che è probabilmente corretto, ma è molto importante non perdere transizioni vocali, cambiamenti di ritmo, introduzione di nuove voci e strumenti, e specialmente gli inserti di danza nel numero dovrebbero essere riflessi.
La maggior parte delle canzoni inserite nell'azione drammatica utilizza la vecchia soluzione tradizionale. Il personaggio si fa avanti rispetto ai suoi partner, l'ensemble rimanente si ferma o suona in uno spazio offuscato. Il focus della luminosità dell'illuminazione si sposta sul solista che canta, lo spazio rimanente si "oscura" o è illuminato con un colore contrastante.
A volte si crea un secondo foco di attenzione sul personaggio che è l'"interlocutore," colui a cui viene cantata la canzone. Duetto, trio e quartetti possono essere risolti introducendo diversi punti per ogni personaggio o addirittura sistemi di illuminazione completamente diversi in qualità.
Non voglio ripetere l'infinito numero di cliché sviluppati dalla pratica nel corso di molti anni.
Vorrei consigliare di affrontare l'illuminazione dei numeri musicali con la stessa meticolosità con cui si lavora sull'intera performance.
Dopotutto, in generale, un numero musicale, canzone o aria è una performance in miniatura costruita e sviluppata secondo le stesse leggi.
È importante dedicare tempo sufficiente a questa parte della performance ("performance all'interno di una performance"), osservando il principio importante dell'"unità" sia a livello della parte che del tutto.
L'interdipendenza emotiva del suono e della luce (colore) è così stretta e ovvia che i numerosi tentativi nel corso di molti anni di trovare un algoritmo preciso e univoco per la trasformazione, una corrispondenza univoca di un certo colore a ciascun suono, sono abbastanza comprensibili.
Se dovessi dare una breve panoramica di questi tentativi e dei risultati delle ricerche di vari scienziati e musicisti, una tale panoramica potrebbe essere infinita.
La ricerca di un algoritmo di corrispondenza tra suono e colore è sempre esistita, principalmente guidata dal desiderio eterno dell'umanità di trovare "l'armonia universale"; queste ricerche erano più popolari a metà-fine del 19° secolo e all'inizio del 20° secolo. Possiamo elencare molti nomi: Scriabin, Rimsky-Korsakov, Malevich, Chagall, e molti, molti altri… È importante notare che, nonostante la similarità dell'approccio e l'identità dell'obiettivo, tutti tali lavori erano basati sulla soggettività degli autori. E se immaginiamo che un giorno qualcuno troverà quell'algoritmo tecnicamente corretto di corrispondenza tra luce e suono, sembra a me che in quel momento, la progettazione dell'illuminazione cesserebbe di essere un oggetto di arte.
È proprio la soggettività dell'interpretazione dell'artista e della percezione del pubblico che dà origine a una tale diversità di forme artistiche e ai risultati del loro "possesso" da parte del pubblico.
Pertanto, quando si legge e si analizza la partitura musicale di un'opera, il lighting designer deve essere molto sensibile alle emozioni che la musica evoca nella loro percezione e trovare tali tecniche e qualità di illuminazione che possano stimolare emozioni adeguate nella percezione del pubblico.
La ricerca nella psicologia della percezione offre alcune chiavi che consentono, in una forma approssimativa, di determinare direzioni nella ricerca di soluzioni specifiche.
Ad esempio, è noto che lo spettatore associa suoni a bassa frequenza a colori più saturi, luminosi e caldi situati al centro dello spettro, e suoni a elevata frequenza a colori freddi e più puri. Torneremo a questi schemi più avanti quando analizzeremo le caratteristiche della percezione psicofisiologica.
Il lighting designer, ascoltando la musica, leggendo la partitura del lavoro musicale, deve affrontare l'analisi della partitura musicale della performance con la stessa precisione con cui conducono l'analisi drammatica dell'opera.
Qui, molti paralleli possono essere tracciati; in sostanza: nella musica, l'emergenza di un nuovo tema è simile all'apparizione di un nuovo personaggio in un dramma; lo sviluppo di temi e personaggi, stati d'animo, conflitti sono ugualmente insiti sia nel dramma che nella struttura della partitura musicale, proprio come ritmo e tempo.
È abbastanza comune che i cambiamenti di illuminazione avvengano a seconda dei cambiamenti che si verificano nella musica, e la durata delle immagini di illuminazione è impostata dalla durata del frammento musicale; in ogni caso, l'accuratezza del posizionamento delle transizioni di illuminazione, le loro caratteristiche temporali, l'adeguatezza della tonalità e dell'umore, mostrano fino a che punto la componente musicale della performance viene compresa.
Naturalmente, è una grande fortuna quando c'è l'opportunità di discutere le caratteristiche della partitura con il compositore, di impregnarsi della sua comprensione, di confrontare la sua interpretazione con le proprie conclusioni.
In ogni caso, il compositore, direttore d'orchestra, direttore artistico—queste sono le persone che possono aiutare nella ricerca di tecniche di illuminazione legate all'interpretazione musicale della performance.
